Nació
en Córdoba en 1973 y se radicó en Buenos Aires alrededor de 1990.
En
animación colaboró con Hanna Barbera,
Disney y Cartoon Network.
Escribió
guiones para Carlos Trillo (Cybersix
y Borderline son algunos).
Creó
personajes como Megaman, La Avispa
y Bruno Helmet.
Realizó
historietas eróticas en Fantagraphic
books-Eros comix.
Colabora
en varios diarios y revistas: Clarín,
La Nación , La Nación de los
Chicos, Rolling Stone, Zigzag –de Página 12 –, Genios, Billiken y Comiqueando.
Es
ilustrador de libros de varias editoriales argentinas y del exterior: Atlántida, Norma, Colihue, Santillanl, Estrada,
McMillan, Edelvives, En Babia, Puerto de Palos, IDW, Blackcoat Press, entre
otras.
En
la nueva Fierro dibujó Altavista, sigue con las series El Maquinista del General, ¡México lindo!,
Lo blanco del ojo y actualmente Al rey de Constantinopla.
En
2008 colabora con Abuelas de Plaza de Mayo en Historietas x la identidad.
Fundó
junto a Quique Alcatena la editorial online Tótem
comics.
Editó
en tres libros Bosquenegro,
historietas para chicos. El primero fue seleccionado por ALIJA en 2007, el segundo por la Conabip
y el tercero recibió el premio a la mejor historieta infantil en Comicópolis.
Germán Cáceres: ¿Cómo resultó tu
experiencia con la animación?
Fernando Calvi: Fue el primer
trabajo que conseguí cuando llegué a Buenos Aires. Era en el estudio de Jaime
Díaz. Yo consumía, y consumo, animación porque me gusta muchísimo. Entonces
tenía una fantasía sobre ese trabajo. Pero muy pronto se convirtió en un shock, porque exigían entregas rápidas,
no había tiempo para pensar y los pagos se demoraban hasta el infinito. Además,
debía luchar contra mi inexperiencia, porque yo nunca había dibujado en forma
profesional.
G. C.: Tu comentario coincide
con lo que leí en un libro clásico sobre el tema, editado en la Argentina en 1957: El dibujo animado, de Lo Duca. Allí se
decía que el oficio de animador estaba pésimamente retribuido.
F. C.: El volumen de trabajo es enorme. Y los
estudios que trabajan subcontratados, como el de Jaime Díaz (que lo hacía para Hanna Barbera, Disney y Cartoon Network),
cuentan con una cantidad inmensa de intermediarios y los pagos llegan muy disminuidos.
G. C.: ¿No te interesaría
dirigir o intervenir en alguna película de animación?
F. C.: No, por ahora. Con la
historieta tengo todo lo que necesito. Además, la animación requiere tanta
dedicación como la historieta, y con ésta ya mi tiempo está colmado.
G. C.: ¿Se publicaron en la Argentina tus
historietas eróticas?
F. C.: Durante bastante tiempo
trabajé con Carlos Trillo, y éste con Javier Doeyo sacaban una revista que se
llamaba Supersexy: era como un
suplemento de Puertitas, y allí hice
mis primeras historietas eróticas o porno, como se las quiera llamar. Después de
unos años empecé a colaborar con ese tipo de historietas para Fantagraphics, de Estados Unidos, hecho
que disfruté porque se escribía y dibujaba con plena libertad estética. Aprendí
muchísimo con mi editor de esa época.
G. C.: ¿El editor te enseñaba
dibujo?
F. C.: No, el editor no me
enseñó, pero era un compañero que te ayudaba, estimulaba, orientaba en la
búsqueda de estilos y entendía hacia dónde querías ir. Siempre me alentó a ser
cada vez más yo, mejor yo; no solo en lo técnico o artístico, también en mi
ética y filosofía en cuanto al sexo. Cosa importante tratándose de un género
como el porno.
G. C.: Asombra tu variedad de
especialidades y tu cantidad de obras. ¿Utilizás alguna metodología o se trata
de una variante de la “prepotencia de trabajo” que proponía Roberto Arlt?
F. C.: Un poco de todo. Con el
tiempo se van encontrando formas de trabajo, mecánicas de elaborar que ayudan a
avanzar. Sucede que la historieta es una lucha: contra mis limitaciones como
dibujante o como narrador, contra el tiempo y contra los límites y defectos de
la impresión. Porque muchas veces uno hace el trabajo y después la que decide
es la imprenta.
G. C.: Art Spiegelman decía que
la página impresa es el original, ya que éste se realizó con ese fin, o sea la
impresión.
F. C.: Es cierto. Incluso el
archivo de historietas del Museo Smithsoniano de Washington no se compone de
originales sino de impresos. Además, mi estilo no es cerrado: aspiro a que mis tonos
y ondas vayan variando. Me doy cuenta que me fueron atrayendo los autores que
cambian. Por ejemplo, de chico me atraía ver evolucionar a Hugo Pratt, a
Richard Corben, a Alex Toth, a Alberto Breccia. Porque las ficciones son
distintas y los públicos también. Por eso a mis historietas las precede el
trabajo de pensar cómo las voy a dibujar, a contar y a diseñar. Claro que esto
a veces es muy complicado, porque cada una de ellas presenta su peculiaridad.
Por ejemplo, yo había hecho dos historietas con color digital para la nueva Fierro, que eran Altavista y El maquinista del
General. Esa técnica es muy amable, fácil de ajustar y apta para la
impresión. Pero cuando encaré ¡Mexico
lindo! comprendí que necesitaba una explosión de colores y entonces la
pinté a mano, con una técnica que se llama layering,
aplicando capas de color transparente. Fue una complicación para escanear,
levantar esa paleta e imprimirla. Igual, visto ahora, creo que salimos airosos.
G. C.: Con textos de Francisco
de Zárate y dibujos tuyos se publicaron en Ñ
dos entrevistas: una a la escritora Elena Poniatowska y otra a la
periodista Leila Guerriero. Se observa que las palabras –es decir las opiniones
de ambas personalidades – prevalecen sobre las ilustraciones. Estas historietas
se acercan a un tipo de periodismo ilustrado por viñetas. Se trata de trazos
sencillos, espontáneos, como si fueran apuntes, pero evidentemente se observa
toda una elección de planos y encuadres y un colorido restallante que dan
cuenta de un trabajo serio y profesional de tu parte. Te advierto que intento
encontrar en esta charla, entre otras cosas, una orientación sobre la estética
actual de la historieta. Por eso te pregunto si ¿estás de acuerdo con la
historieta en la que los dibujos están al servicio del texto?
F. C.: Vengo haciendo
historietas periodísticas desde hace años y empecé cuando me convocó Abuelas de Plaza de Mayo con las Historietas x por la identidad. Yo
considero que la historieta no es el soporte de una ficción, sino un lenguaje
.para contar cualquier cosa, de manera que si se puede hacer periodismo en
radio, en cine, en textos literarios y en televisión, también se debe poder realizar
en historieta. Vengo encarando el periodismo con Zárate en dos formatos, uno en
historietas que desarrollan temas que nos interesan, y otro en reportajes. Es
verdad que en estos últimos es mayor la intervención del texto porque importa
testimoniar lo que dice el entrevistado. Pero el dibujo aporta un correlato
visual que el periodismo fotográfico no podría lograr, como dibujar a esa
persona cuando era un chico, o hacer estallar el color en determinado momento,
o utilizar metáforas visuales para reforzar lo dicho, o sea que la parte visual
es más emocional.
G. C.: Para disfrutar de estas
historietas es necesario olvidarse de la óptica tradicional, donde más allá de
los diferentes estilos y búsquedas formales, se narra una historia, sobre todo
una aventura, y guión y arte forman una unidad. ¿Estás de acuerdo con este
nuevo planteo?
F. C.: Hay que pensar que estas
historietas periodísticas aparecen en publicaciones para las cuales su lenguaje
es algo ajeno al que están acostumbrados a apreciar sus lectores. Por ejemplo,
hicimos una entrevista al Ministro de Economía griego para Jacobin, que es una revista política muy formal. Al no contar con
lectores que ya cargan con un (pre)concepto de cómo debe ser una historieta, me
permite hacer experimentos interesantes, que después incorporo en alguna
ficción.
Página de Bubbles |
G. C.: Claro, como dijo
acertadamente Toni Torres, la historieta ya no puede considerarse masiva. Más
aún con este tipo de historietas contemporáneas. ¿Es bueno que un arte masivo
deje de serlo y se convierta en un arte para iniciados? El historiador Eric
Hobsbawm en su Historia del siglo XX
se queja de que el jazz haya permitido que el rock le arrebatara ese atributo y
se convirtiera así en música para un sector más minoritario aún que el de la
música académica.
F. C.: Primero yo entiendo que
la masividad es un fenómeno del siglo XX. Ya no se produce con ese sentido, lo que subsiste es ese tipo de pensamiento que
generalmente pertenece a corporaciones multinacionales que se formaron y
lucraron en esa época: por ejemplo la
Warner con sus contenidos de entretenimiento sigue con ese
método porque le resulta un buen negocio. Pero esa actitud va a ir bajando
porque es antinatural y no prevaleció nunca fuera del siglo XX, y no hay razón
alguna para que siga existiendo. Por ejemplo, los tirajes de los diarios en
relación con la población alfabetizada actual no son masivos si se los compara
con los datos de los años setenta. Sí se va a una mayor oferta de cosas –que es
un acontecimiento de fines del siglo XX y que entró con mucha fuerza en el XXI
–. Lo que aparece en la actualidad son lectores habituales de determinado tipo
de cosas. O sea personas que ya no leen historietas, sino más precisamente cierta
clase de ellas y van a ir a buscarlas. Hoy la historieta mantiene una pata
fuerte en el libro y otra, menos fuerte, en los medios de comunicación, que ya
no son tan masivos. Algo similar sucedió con el folletín por entrega, que
desapareció para ser reemplazado por el libro; pero novelones interminables por
entregas se siguen escribiendo.
G. C.: ¿No será que ahora hay
gente que lee los diarios en Internet?
F. C.: El que leía el diario en
papel va a hacerlo ahora en Internet. Pero el que nunca frecuentó un diario en
papel, aunque acuda a los diarios por Internet, sólo va a leer determinadas
noticias, quizás aquellas que se comentan en las redes sociales. Es una llegada
distinta, han cambiado los modos de lectura.
Por otro lado, no es
cierto que todas las historietas contemporáneas sean para iniciados. Algo
parecido pasa con la literatura: hay autores como Stephen King, que puede leer
cualquier persona, y después un Eco o un Houllebecq, que es para otro tipo de
lector. Por eso opino que intentar recuperar el carácter masivo de la
historieta es una lucha sin sentido. Es necesario sostener su accesibilidad,
por eso es tan importante hacer historietas para chicos, sobre todo en los
manuales escolares, y abrir otros canales de entrada dirigidos a futuros
lectores. Y para concretar esa accesibilidad no se puede recurrir a patrones de
historietas de los años cincuenta, sesenta o setenta, porque es un error, hoy
el lector es otro. Se dice que las historietas antes eran para todo el mundo,
pero eran para “ese todo el mundo”. Hoy los autores de historietas la hacen
para el tipo de lector actual, que posee hábitos muy diferentes –entre ellos de
lectura – a los de aquellas décadas. O sea no me parece que todas las
historietas sean del tipo complejo, tanto en lo argumental como en lo formal, como
el caso de Asterios Polyp, de David
Mazzucchelli. Hay de todo. Sigen existiendo historietas humorísticas, para
chicos, de superhéroes, hay variedad; el tema es cómo hacerlas llegar. Como
tejer nuevos puentes, actuales, para que el lector se encuentre con el proyecto
de su interés.
Página de Ñ |
G. C.: En tu página ARTE ARTE ARTE mostrás chistes, anunciás
nuevas series (algunas remiten a otra de tus páginas, Tótem Comics), y mostrás una superlativa admiración por Jack Kirby,
cuyos dibujos decís que copias, aunque se trata evidentemente de una
apropiación creativa. ¿En Kirby te atrae su concepción titánica de la figura
humana?
F. C.: De Kirby admiro todo.
Leyendo de chico Mr. Miracle empecé a
pensar que no sólo me encantaba leer historietas, sino que desde ese momento
quería hacerlas. Me parece fascinante su estilo y su honestidad artística; es darlo
todo, siempre un poco más. Producía muchas historietas, pero continuamente
estaba buscando la forma apropiada. Así como Hergé atravesó toda la historieta
europea, Kirby cruzó la norteamericana con una contundencia solo comparable a
la de Milton Caniff. Y hoy su obra, a pesar de los años transcurridos, continúa
apreciándose.
G. C.: ¿O sea que perdura,
desafía con éxito el paso del tiempo?
F. C.: Yo no sé bien por qué se
da ese fenómeno, por ejemplo que Pratt permanezca y Faustinelli no, como
tampoco tanto Battaglia. Porque hoy Pratt se lee y edita en Europa como si
fuera un autor contemporáneo.
G. C.: En ARTE ARTE ARTE también se nota tu gran devoción por los monstruos.
¿Es influencia de las historietas o proviene también de la literatura?
F. C.: Siempre preferí –aún
siendo muy chico – las obras con monstruos, ya sean películas, novelas,
historietas, series de televisión. Ellos me resultan irresistibles porque me
parecen una metáfora sobre el hombre y la sociedad, y su concepción evoluciona a
través del tiempo y permite una infinidad de lecturas y de interpretaciones.
Además, me encanta dibujarlos, o sea poner en la anatomía, humana o no, algo
que no existe.
Fragmento de Bubbles |
G. C.: ¿Representaría el
monstruo la ambigüedad de la naturaleza humana?
F. C.: Hablando en término
psicoanalíticos representa al ello
pero sumado al superyo, porque hay un
momento entre los años cincuenta y sesenta en el que el monstruo pasa a ser un
héroe y allí aparece otra vez Kirby, ya que casi todos sus protagonistas son de
alguna manera monstruos. El monstruo de Frankenstein es capaz de matar a una
persona por venganza, pero a la vez enuncia sublimes pensamientos filosóficos,
se demuestra sensible y adorable, sin dejar de ser aterrador.
G. C.: Otra muestra de tu
versatilidad es la historieta infantil. En Bosquenegro,
esa cosa rara que cayó del cielo,
en alusión al célebre relato de H.P. Lovecraft, mostrás un dibujo con una
figuración moderna y original, en la onda del lector infantil. Es de ciencia
ficción y su historia sencilla está desarrollada con un guión excelente. El
tono que lograste con los colores es maravilloso. ¿No la ves con un retorno al
espíritu vanguardista y a la vez poético que marcó Windsor Mc Kay en Little Nemo in Slumberland?
F. C.: Ese estilo de historietas
la empecé con Bubbles, que participa
de la sensibilidad de la historieta de finales del siglo XIX y principios del
siglo XX, que en un momento me pegó fuerte. Me pareció que estos tipos cuando debían
representar algo –una tormenta, un amanecer, una persecución –, se sentaban a
dibujar y se preguntaban cómo muestro esto, no como lo harían otros dibujantes.
Creaban recursos todo el tiempo.
Páginas de Totem Comics |
G. C.: Estaban fundando un
lenguaje, de la misma manera que lo hicieron Griffith y Eisenstein con el cine.
F. C.: Y lo gestaban con un
desprejuicio increíble. Había una búsqueda estética permanente. Bosquenegro se nutre de esa historieta,
que yo llamaría clara, en la cual la lectura del cuadrito es absolutamente
sencilla, como Spirou y Tintín.
G. C.: La tan mentada línea
clara.
F. C.: Esa vía me permite diseñar
personajes raros y jugar con un montón de experimentos narrativos, y que todo
se siga viendo claro y sencillo. Es tan evidente la acción, que si un monstruo
es rarísimo no representa un problema. Estoy contento con esa historieta porque
logré muchos lectores niños, motivo por el cual doy talleres en escuelas, y
figura en manuales de Santillana,
Puerto de Palos, Edelvives, Mandioca y
Estrada.
G. C.: Otro puntal es la ilustración de libros, como
una aguada que hiciste para El Regreso y
otros cuentos inquietantes, de Fernando Sorrentino, o la acuarela (digital)
para Las increíbles aventuras de Don
Quijote y Sancho Panza, versión de Adela Basch. Lo increíble es que un
planteo tan contemporáneo pueda inspirarse en clásicos como Honoré Daumier y
Gustavo Doré, que vos mencionaste varias veces. ¿Cómo funciona esta especie de
recreación?
F. C.: Todo lo que leo y veo trato
de incorporarlo a mi trabajo. Es como si yo tuviera una biblioteca mental y la volcara
intuitivamente. Admiro tanto la obra de Daumier como la de Doré, pero no pretendo
imitarlos. Otros tipos que me vuelven loco son Edvard Munch y Egon Schiele. De
éste me impresionó la forma que dibujaba la anatomía: los codos, las rodillas,
los talones. Y él hizo una especie de culto a esos aspectos del cuerpo humano.
Se suma a las influencias de Pratt, Battaglia, Faustinelli, Kirby y Frank Miller
y otros miles.
En el caso de la
ilustración, innumerables veces eso viene ligado a la documentación. Me
interesa ver cómo otros tipos ilustraron un texto para ver de qué manera lo
leyeron, qué encontraron en él. Además, es un proceso muy inmediato porque
tenés que hacer la tapa y seis láminas para un libro en dos semanas, porque ese
es el tiempo que suele haber. La primera semana estudio el texto tachando y
diseñando. A veces hay un conflicto con los escritores contemporáneos porque se
formaron otra imagen mental de sus escritos, pero yo entiendo que mi criterio
puede ser distinto, mi discurso puede ser otro. Por suerte en general los
editores vienen en mi rescate.
G. C.: Seguro, son dos creadores
con diferentes percepciones y poéticas.
Al rey de Constantinopla, que apareció en la
nueva Fierro, impacta visualmente,
como si la historieta tomara el reclamo –volvemos a Arlt – de que la escritura
encierre “la violencia de un cross a la mandíbula”. Aquí el dibujo unido a tu
guión quiere captar con trazos audaces y una narración nada convencional la
paranoia que sufre la sociedad argentina a la que la alude la frase de Philip
K. Dirk en el último cuadrito. También está presente un tono discursivo cuando un
personaje afirma que “El antiperonismo vive en el miedo”. Pese a su vanguardismo,
esta historieta no se aleja demasiado de las convenciones sobre unidad de
dibujo y guión en el relato de una historia. ¿Te sentís cómodo trabajando en
esta línea o te da lo mismo?
G. C.: Yo intenté hacer algo más
clásico, que la historieta se viera más sencilla en lo formal: la grilla
contiene seis cuadritos por página. Es una historia sobre la paranoia, y me
interesa muchísimo el caso en que la realidad le gana al desorden. Es ese juego
en el que el paranoico empieza a quedarse corto. El argumento es bastante
amargo y violento, pero yo quería que el dibujo no fuese para el mismo lado que
el guión, porque iba a surgir una obra supernegra, superoscura y cerrada. Apuntaba
a una historieta que invitara a una lectura ligera y ahí apareció la influencia
del Condorito de Pepo, y le imprimí a
mi dibujo un rasgo de humor gráfico.
G. C.: En la página Tótem Comis la historieta Punto Rojo 2 parece una creación de
asociación libre, digna de las más sólidas convenciones del surrealismo. Tus figuras
giran hacia la deformidad –eminentemente historietística, pero que se puede
asociar a una visión plástica –, junto a colores fuertes y a viñetas de todo
tipo, en cuya composición creo que no se puede hablar de planos. También la
narratividad cede terreno a las explosiones visuales y al fluir de ideas. ¿Cuál
era tu propósito?
Bosquenegro |
F. C.: En principio, como en
todas mis historietas, contar lo que pasa. En Tótem tuve la posibilidad de entregarme plenamente a mi amor por
los superhéroes y por el arte de Jack Kirby. Lo que no tenía ganas de hacer era
un pastiche, una historieta derivativa.
G. C.: En Altavista, que puede considerarse experimental., aparecida en la
nueva Fierro y luego en libro, tus
nueve cuadritos por páginas me evocan ciertos tramos de la obra pictórica de
Kuitca. Lo mismo ocurre con Bubbles,
otro libro magnífico. ¿Vos qué opinás?
F. C.: Sé quién es Guillermo
Kuitca, pero no influyó en mis historietas porque no tengo muy presente su
obra. La grilla de nueve cuadritos viene de Harvey Kurtzman, y siempre me
fascinó cómo se lee esa página, como también la de seis, que me viene de Toth y
Pratt. No romper nunca la grilla se proponía obtener un ritmo constante. A mí
me fascina la música electrónica, dance
y trance. Me encanta porque su forma
de construcción se basa en una base rítmica permanente sobre la que se van
superponiendo variaciones melódicas. Altavista
tiene un ritmo que no se altera: tenés nueve golpes de tambor y pasás de página.
Y adentro de esos nueve cuadros se dan las variaciones. Y en cada cuadro un
detalle, cosa que viene del narrador, que es un obsesivo, que, como el diablo,
está siempre en los detalles.
Página de Altavista |
G. C.: ¿No sería algo así como
el Bolero, de Ravel, que toma un tema
básico que es interpretado por los distintos instrumentos que se van incorporando?
F. C.: Quizá, pero por su
cadencia sería una historieta de dos cuadritos por página, en lugar de nueve.
G. C.: ¿Hay algún artista
plástico cuya obra te interese?
F. C.: Mi problema con la
plástica es que soy un tipo gráfico. Todo me llegó a través de los impresos.
Cuando voy a un museo, aunque entiendo la cuestiones de la textura, la marca de
la espátula o el tamaño de la obra, y disfruto viendo en directo las pinturas y
las esculturas, no puedo comparar ese placer con el que recibo de lo gráfico.
G. C.: Pero algo así nos sucede
a todos en cuanto experiencia, porque si bien se concurre a museos y a
exposiciones, la pintura y la escultura se conocen sobre todo a través de los
libros de arte. Entonces de alguna manera la experiencia de la mayoría de la gente
es gráfica, porque ¿cuántas veces se pueden admirar los originales de las obras
que se exhiben en los museos del mundo?
Pocas, por más que se viaje.
F. C.: Yo gozo más con el libro
sobre un artista que con sus mismos originales porque soy gráfico. Me cuesta
pensar en términos plásticos: no consumo de esa manera. Adoro a un pintor como Piet Mondrian, el que ha
influido mucho en mi trabajo como historietista, y ver sus cuadros en vivo es
intenso; pero con los libros que reproducen sus obras ya estaba bien.
En revista Ñ |